Madeleine, les saintes femmes. Telles sont les Pitiés du Tréport, de Marolles-le-Bailly en Champagne, de Sainte-Catherine de Fierbois en Touraine, d’Aigueperse en Auvergne, d’Ahun dans la Marche.
Ces Pitiés complètes sont plus pittoresques, mais moins touchantes. Elles dispersent l’attention. Combien plus poignant est le simple groupe de la mère et du fils ! Ainsi ramassé, le drame atteint à sa plus haute puissance d’émotion. Les fidèles le sentaient si bien qu’ils demandaient rarement aux artistes ces Pitiés trop riches. Elles sont peu nombreuses aujourd’hui et furent toujours sans doute une exception.
Quand la Vierge a longuement contemplé le corps de son fils étendu sur ses genoux, elle consent enfin qu’on l’ensevelisse. Défaillante, et « pareille à la femme qui vient d’accoucher[1], » elle le regarde encore une fois avant qu’il disparaisse dans le sépulcre. C’est le dernier acte, et non le moins douloureux de la Passion de le Vierge. Il est visible que, dans la scène de la mise au tombeau, telle que les artistes du XVe siècle la conçoivent, la Vierge est le personnage principal.
La mise au tombeau a, dans l’art français, une curieuse histoire. Au XIIIe siècle, et jusqu’au milieu du XIVe, les artistes ne représentent pas l’ensevelissement du Christ, mais l’onction de son cadavre. Deux disciples tiennent les extrémités du suaire, et un troisième verse le contenu d’une fiole sur la poitrine du mort[2]. Ces trois hommes, graves et attentifs, ne donnent aucune marque d’émotion. La Vierge et les saintes femmes sont absentes. L’art du XIIIe siècle conserve ici, comme partout, sa noble sérénité.
Ce n’est qu’après le milieu du XIVe siècle que l’on rencontre, en France, une vraie Mise au tombeau. Le parement d’autel de Charles V nous en offre, vers 1370, un des plus anciens exemples. Voici, cette fois, tous les personnages du drame : Joseph d’Arimathie, Nicodème, la Vierge, saint Jean, les saintes femmes. Et, du premier coup, la scène atteint à une véhémence de
